On pourrait dire que « Les Demoiselles d’Avignon », une grande peinture à l’huile créée en 1907 par l’artiste espagnol Pablo Picasso, a été un saut significatif vers la peinture moderne. Selon moi, la peinture contemporaine moderne a culminé avec les expressionnistes abstraits ; Willem de Kooning, Mark Rothko, Clyfford Still ou la New York School des années 1940, 50 et 60.
L’école de New York est souvent caractérisée par un pinceau gestuel, des gouttes, des marques et des traits ou des champs de couleur. Les peintres d’action étaient dirigés par Jackson Pollock et Willem de Kooning, spontanés, gestuels, énergiques, utilisant de gros pinceaux et gouttes sur des toiles grand format. Pollock rejette même la nécessité d’utiliser un pinceau, privilégiant les bâtons et versant de la peinture directement sur sa toile disposée sur le sol de son atelier.
Mark Rothko, Barnett Newman et Clyfford Still ont créé des compositions plus subtiles, la peinture de champ de couleur, avec de grandes zones de couleur destinées à offrir des expériences contemplatives et presque religieuses au spectateur.
L’influence des peintres new-yorkais se fait encore sentir dans la peinture contemporaine d’aujourd’hui. La peinture abstraite est de loin le style de peinture le plus représenté du 21St siècle. C’est devenu traditionnel.
Fernando Gaspar est l’un de mes peintres portugais préférés. Il raconte des histoires et raconte des voyages à travers son travail. La peinture de Gaspar est enracinée dans une fascination pour le concept d’identité territoriale. Techniquement, les fantômes de l’expressionnisme abstrait se font sentir dans son travail.
L’influence du style new-yorkais est fondamentale pour les peintures remarquables quelque 70 ans plus tard (les œuvres de Fernando Gaspar peuvent être vues à São Mamede, Galeria de Arte, Lisbonne).
Même les artistes modernes les plus avant-gardistes comme Damien Hirst reviennent aux champs de la couleur et des marques de l’école de New York, notamment dans ses peintures « Spot », une version autocontrôlée des « gouttes » de Pollock.
Depuis 1986, Damien Hirst a produit, je dois ajouter sans impression, plus de 1 000 peintures ponctuelles. Les points semblent imprimés ou numériques mais sont en réalité peints à la main. Les spots de Hirst suivent un certain nombre de règles spécifiques : les spots doivent être de taille uniforme, peints à la main dans un cercle parfait et positionnés dans une grille. Toujours répétitives et peut-être intentionnellement cyniques, les peintures de Hirst ne sont pas aussi révolutionnaires que ses requins marinés.
« Je voulais créer un système où, quelles que soient les décisions que vous prenez dans un tableau, les tableaux finissent par être heureux », explique Hirst, ennuyeux.
Alors, où cela laisse-t-il l’avenir de la peinture ? Y a-t-il de la place pour une révolution de la peinture ou un nouveau mouvement qui démystifie le travail des 70 dernières années, un travail déterminant comme « Les Demoiselles » de Picasso qui donne à toutes les peintures un aspect conservateur ?
Nous avons exploré presque toutes les combinaisons de couleurs, marques et formes de toile avec seulement des styles personnels différenciant les œuvres d’art et rien de significatif qui pourrait marquer le début d’une nouvelle ère de la peinture. Certains des mouvements contemporains les plus notables ont peut-être été dans « l’art de rue ou urbain » comme Banksy.
Qu’en est-il des NFT et de l’art numérique ? Les NFT sont-ils vraiment une forme d’art ? Ou un gadget ? Vous êtes un peu confus ou vous n’avez aucune idée de ce que signifie NFT ? Voici une petite explication… « jeton non fongible » plus clair ? Non? « Non fongible » signifie qu’il est unique et ne peut être remplacé par autre chose. Les NFT existent dans une soupe numérique.
Je suis personnellement inondé d’offres folles pour acheter mes peintures originales frappées en tant que NFT. J’ai souvent pensé à vendre mes œuvres d’art en tant que NFT et à inclure l’original gratuitement en laissant Finanças et mes comptables s’occuper de cette boîte de vers Ethereum.
La valeur des « actifs » cryptographiques ou NFT n’est vraie que si suffisamment de personnes croient au battage médiatique autopropulsé, un peu comme la monnaie fiduciaire et l’art de collection. Posséder une œuvre d’art originale est tellement plus précieux que de posséder une version numérique ou un graphique généré par ordinateur. L’expérience est incomparable. Comparez l’expérience de visiter le musée MAAT à Lisbonne à une galerie virtuelle en ligne et je pense que vous pouvez voir mon point.
Si nous regardons l’avenir universel de l’humanité, la plus grande question sera de savoir dans quelle mesure nous faisons partie d’une réalité augmentée ou virtuelle. Plus d’art est vu via Instagram que physiquement dans les galeries.
Allons-nous neurolier nos esprits à un méta verset ? Échangerons-nous l’art numérique qui orne l’immobilier numérique négociable ? Pour l’art et les artistes, comment allons-nous ajouter de la couleur, de l’imagerie et de l’émerveillement à cet espace numérique interne ?
Neurolink construit un système d’interface cerveau-ordinateur (BCI) entièrement intégré ; technologies qui permettent à un ordinateur ou à d’autres appareils numériques d’être contrôlés directement avec l’activité cérébrale. La recherche a démontré qu’une personne paralysée peut contrôler une souris ou un clavier d’ordinateur simplement en pensant à la façon dont elle veut le déplacer.
Alors, quelle est la place de l’art, ou plus précisément de la peinture, dans ce futur ? Peut-être que ces appareils peuvent nous emmener dans un voyage d’expérience visuelle en stimulant la sérotonine ou d’autres produits chimiques du cerveau. En tant qu’artiste, nous pourrions peut-être vraiment « penser peindre » une œuvre d’art sans avoir à bouger un muscle.
D’après ma propre expérience de peinture, je passe des années à ne pas pouvoir me permettre un studio suffisamment grand pour mon travail ou le temps de m’immerger complètement dans la peinture. Je peux passer de nombreuses heures à penser à de grandes œuvres dans ma tête et à remplir des cahiers prêts à être utilisés lorsqu’une opportunité de studio se présente. Peut-être que dans l’espace virtuel, je peux juste penser à une œuvre d’art et cela devient une partie d’une expérience en ligne.
Ces pensées me remplissent de terreur, j’ai passé mon adolescence à perfectionner mon écriture et maintenant tout ce que je fais est de taper sur un clavier (à part ces moments spirituels qui marquent mon carnet). Mon art est physique et, comme de Kooning et Pollock, j’aime le mouvement, l’action.
Nous sommes au bord de quelque chose et la pensée de ce que ce « quelque chose » pourrait devenir me remplit d’une nostalgie pour la grande tradition de la peinture abstraite contemporaine. Dès le premier instant où nos ancêtres ont dessiné sur les murs des grottes, cela nous a définis, nous les humains, comme quelque chose d’unique. Si nous perdons ce lien entre notre main et la marque, entre le geste et la narration, perdons-nous ce que c’est que d’être vraiment humain ?
Par Durães-Ouest
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Durães-West est un artiste et peintre contemporain vivant et travaillant au Portugal. Son nouveau studio, en construction dans l’Alentejo, se veut un espace de création où artistes, technologues, nomades numériques et programmeurs informatiques peuvent vivre, créer, travailler et explorer de nouvelles dimensions artistiques. www.duraeswest.com
